Was ist Design?

Design bezeichnet im Allgemeinen die Gestaltung von industriell hergestellten Serienprodukten. Ein Designer bestimmt dabei die Form eines Produkts und durchläuft einen strukturierten Entstehungsprozess, der Planung, Entwurf und oft auch die Herstellung von Prototypen umfasst.

Gutes Design verbindet dabei drei wesentliche Aspekte: eine praktische Funktion (funktioniert es?), eine ästhetische Funktion (sieht es gut aus?) und eine symbolische Funktion (welche Bedeutung trägt es?).

Der Designer passt Gebrauchsgegenstände an die körperlichen und psychischen Bedürfnisse der Verbraucher an, um Produkte zu schaffen, die nicht nur funktional, sondern auch ansprechend sind.

💡 Merke: Design ist nicht bloß Dekoration, sondern durchdachte Gestaltung, die Funktion und Form vereint!

Arten des Designs

Das Design lässt sich in zwei Hauptbereiche unterteilen: Kommunikationsdesign und Industriedesign. Beide Bereiche erfüllen unterschiedliche Aufgaben in der Produktwelt.

Das Kommunikationsdesign umfasst vor allem Grafik-Design und ist für die Vermarktung eines Produkts zuständig. Dazu gehören die Gestaltung der Verpackung, das Erscheinungsbild am Verkaufsort und die Produktwerbung – alles, was hilft, das Produkt an den Kunden zu bringen.

Das Industriedesign dagegen fokussiert sich auf die Produkte selbst und lässt sich weiter unterteilen:

• Ästhetisch orientiertes Design (Mode, Schmuck, Textil, Glas, Keramik)
• Technisch orientiertes Design (Haushaltsgeräte, Arbeitsgeräte, Maschinen, Fahrzeuge)
• Baulich orientiertes Design (Bauelemente, Möbel, Raumkonzepte)

🔍 Tipp: Achte in deiner Umgebung darauf, welche dieser Designkategorien dich täglich umgeben – du wirst überrascht sein, wie allgegenwärtig Design ist!

Funktionen des Industriedesigns

Ein gut gestaltetes Produkt erfüllt drei wesentliche Funktionen, die zusammen seinen Wert ausmachen.

Die praktische Funktion betrifft die Gebrauchstüchtigkeit: Erfüllt das Produkt seinen Zweck? Ist es ergonomisch gestaltet und sicher in der Handhabung? Ein Stuhl muss beispielsweise bequem sein und das Gewicht einer Person tragen können.

Die ästhetische Funktion bezieht sich auf die Schönheit und die Sinneswahrnehmungen. Sie wird durch verschiedene Gestaltungselemente beeinflusst:

• Materialien: Sie bestimmen Festigkeit und haptische Eigenschaften
• Oberflächen: glatt, rau, glänzend oder matt
• Farben: harmonisch oder kontrastreich, kräftig oder neutral

Die symbolische Funktion betrifft die persönliche, soziale und kulturelle Bedeutung eines Produkts. Ein Auto ist zum Beispiel nicht nur ein Transportmittel, sondern kann auch Status oder Lebensstil symbolisieren.

💡 Denk daran: Ein wirklich erfolgreiches Produkt spricht alle Sinne an und erfüllt gleichzeitig praktische, ästhetische und symbolische Bedürfnisse!

Was macht gutes Design aus?

Der renommierte Designer Dieter Rams hat zehn Prinzipien für gutes Design definiert, die bis heute als Maßstab gelten. Gutes Design sollte demnach:

1. Innovativ sein - neue Lösungen bieten
2. Ein Produkt brauchbar machen
3. Ästhetisch ansprechend sein
4. Das Produkt verständlich machen
5. Unaufdringlich sein
6. Ehrlich sein - es verspricht nicht mehr, als es halten kann
7. Langlebig sein - nicht modisch, sondern zeitlos
8. Konsequent bis ins Detail durchdacht sein
9. Umweltfreundlich sein
10. Möglichst wenig Design sein - "weniger ist mehr"

Bei der Farbgestaltung spielen psychologische Wirkungen eine wichtige Rolle: Kräftige, aktive Farben wie Gelb, Rot und Grün betonen ein Produkt und heben es aus der Umgebung hervor. Neutrale, unbunte Farben wie Grau, Beige oder Braun helfen dagegen, ein Produkt harmonisch in eine Umgebung einzuordnen.

🌟 Ein wirklich gutes Designprodukt erkennst du daran, dass es so selbstverständlich wirkt, als könnte es gar nicht anders sein!

Kunst oder Design?

Die Abgrenzung zwischen Kunst und Design ist nicht immer eindeutig, aber es gibt charakteristische Unterschiede, die dir bei der Einordnung helfen können.

Design konzentriert sich auf Gebrauchsgegenstände, die in großer Stückzahl mit möglichst geringem Produktionsaufwand hergestellt werden. Ein Designobjekt hat immer einen bestimmten Zweck und vereint praktische, ästhetische und symbolische Funktionen. Manchmal werden auch vorhandene Gegenstände für einen neuen Zweck umfunktioniert.

Kunst hingegen erschafft einzigartige Werke, bei denen die künstlerische Auseinandersetzung im Vordergrund steht. Auch wenn Kunstwerke manchmal Gebrauchsgegenstände verwenden oder verfremden, verlieren diese ihre ursprüngliche Funktion und erhalten als Darstellungsmittel einen neuen Sinn.

Eine Grundregel lautet: Ist bei einem Gegenstand die praktische Funktion klar erkennbar, gehört er zum Design. Steht die künstlerische Auseinandersetzung im Vordergrund, zählt er zur Kunst.

💡 Sonderfall: Das "Ready-Made" – Marcel Duchamp erklärte 1914 einen gewöhnlichen Flaschentrockner zum Kunstwerk und revolutionierte damit unser Kunstverständnis!

Entwicklung des Produktdesigns

Die Geschichte des modernen Designs beginnt mit der Industrialisierung. Mit der Erfindung der Dampfmaschine 1769 in England wurden Massenproduktion und neue Herstellungsverfahren möglich.

Deutschland war bis in die 1850er Jahre ein industrielles Entwicklungsland – es fehlten Know-How, Infrastruktur und Kapital. Die Massenproduktion brachte jedoch neue Materialien und Produkte hervor, die für breite Bevölkerungsschichten erschwinglich waren.

Die zentrale Frage dabei: Wie sollte ein industriell hergestelltes Produkt aussehen? Das Produkt wurde als zugängliche Alternative zum nicht erschwinglichen Kunstwerk gesehen. Der Begriff "Design" – abgeleitet vom italienischen "disegno" (nach außen verlegte Idee) – wurde seit den 1970er Jahren zum allgemeinen Begriff für industrielle Formgebung.

Die Designgeschichte zeigt deutlich: Die Form, Herstellung und Funktion eines Produkts wird immer durch die wissenschaftliche, gesellschaftliche und politische Entwicklung seiner Zeit bestimmt und verändert sich mit ihr.

🕰️ Spannend: Die Designgeschichte ist ein Spiegel der Gesellschaft – vom Biedermeier (1815-1848) bis zum sozialistischen Design (1945-1989) lassen sich gesellschaftliche Werte und technologische Entwicklungen ablesen!

Biedermeier bis Jugendstil

Die Biedermeier-Zeit (1815-1848) betonte bürgerliche Tugenden: einfach, schlicht und solide, aber gemütlich. Typisch waren gepolsterte Sofas, Beistelltische und Stühle aus Obstholz – handwerklich solide gefertigt mit sparsamer Ornamentik und aus einheimischen Werkstoffen.

Mitte des 19. Jahrhunderts förderte Karl Friedrich Schinkel als künstlerischer Berater des preußischen Königs staatliche Designentwicklung. Durch Kunstakademien, Mustermappen und Ausstellungen sollte die Formgebung von Waren verbessert werden, um im internationalen Wettbewerb zu bestehen.

In der Gründerzeit und im Historismus (1848-1910) führte der industrielle Aufschwung zu einer neuen Gesellschaftsordnung, in der Status durch Leistung und Vermögen bestimmt wurde. Die Nachahmung adeliger Lebensstile äußerte sich in Waren, die historische Epochenstile $Neo-Gotik, Neo-Renaissance$ kopierten – nun maschinell und kostengünstig produziert.

Die Erfinderästhetik (Mitte 19. Jahrhundert) zeigte eine Alternative: Michael Thonets berühmter Stuhl Nr. 14 folgte dem Prinzip "Form folgt der Technik" – eine nüchterne, vom Herstellungsprozess geleitete Formgebung ohne historisierende Verzierungen.

📌 Merke dir: Die Erfinderästhetik brachte erstmals bezahlbare Qualitätsmöbel für die breite Bevölkerung – Thonets Stühle wurden in alle Welt exportiert und werden bis heute produziert!

Vom Historismus zu neuen Formen

Ende des 19. Jahrhunderts wuchs die Kritik am Historismus mit seiner unkritischen Nachahmung historischer Stile. Während der Gründerzeit (1848-1910) herrschte ein rücksichtsloser industrieller Wettbewerb, der zu beschleunigtem Fortschritt führte. Das Städtewachstum und der steigende Bedarf an Konsumgütern befeuerten die Massenproduktion.

In dieser Zeit entstand eine neue Gesellschaftsordnung, in der der soziale Rang durch Leistung und Vermögen bestimmt wurde. Die neu wohlhabend gewordenen Bürger ahmten den adeligen Lebensstil nach – "mit Stil leben" wurde wichtig. Industriell gefertigte Produkte wurden mit historischen Stilformen $Neo-Gotik, Neo-Renaissance$ überzogen, die durch Kopierfräsen und Maschinen billig auf die Produkte übertragen werden konnten.

Als Gegenreaktion entwickelte sich die Industrieform, die sachlicher und technischer orientiert war. Christopher Dresser zerlegte Produkte in einfache Grundformen, die einzeln produziert und dann zum Gesamtprodukt montiert wurden. Diese ökonomische Produktionsweise mit minimalem Materialaufwand und ohne Ornamente folgte dem Prinzip "Form folgt der Funktion".

💡 Interessant: Der Übergang vom Historismus zur Industrieform markiert einen Wendepunkt im Design – weg vom dekorativen "Verkleiden" von Produkten, hin zu einer Form, die aus der Funktion und Herstellungsweise heraus entwickelt wird.

Reformbewegungen um 1900

Als Reaktion auf die Massenproduktion und den Historismus entstanden Ende des 19. Jahrhunderts verschiedene Reformbewegungen, die das Design revolutionieren sollten.

Die Handwerksreform unter William Morris forderte eine Rückkehr zu handwerklicher Qualität, Einfachheit und Natürlichkeit. Sie strebte humane Arbeitsbedingungen und eine Zusammenarbeit von Handwerkern und Künstlern an. Obwohl das Ziel "kultivierter Genuss für alle" war, machten die hohen Preise durch die Handarbeit die Produkte nur für wohlhabende Bürger erschwinglich.

Die Industrieform verfolgte einen anderen Ansatz: Der Designer Christopher Dresser schuf maschinengerechte Entwürfe, indem er Produkte in einfache Grundformen zerlegte. Diese konnten einzeln produziert und später montiert werden – ein ökonomisches Verfahren mit minimalem Materialaufwand und ohne überflüssige Ornamente.

Die Erfinderästhetik zeigte sich beispielhaft an Michael Thonets Stuhl Nr. 14: Durch eine nüchterne, technisch orientierte Formgebung entstanden preiswerte, qualitativ hochwertige Produkte für den Massenmarkt, die sogar international verkauft werden konnten.

🌿 Spannend: Die Reformbewegungen um 1900 legten wichtige Grundsteine für das moderne Design – ihre Forderung nach Ehrlichkeit in Material und Konstruktion wirkt bis heute nach!

Jugendstil und Neue Sachlichkeit

Der Jugendstil um 1900 entstand als Reaktion auf die industrielle Massenproduktion. Gebildete Bürger lehnten die laute Repräsentation des Historismus ab und suchten nach einem neuen, natürlicheren Stil.

In traditionellen Handwerksbetrieben, die als Werkstätten neu gegründet wurden, schufen Künstler edles Kunstgewerbe für wohlhabende Bürger. Henry van de Velde vertrat die Idee, dass es keinen Unterschied mehr zwischen Gebrauchskunst und "richtiger" Kunst geben sollte – alles zusammen sollte ein Gesamtkunstwerk bilden.

Die Formensprache des Jugendstils orientierte sich an der Natur. Linien und Ornamente sollten ornamentale Schönheit erzeugen, ohne die Funktionalität zu beeinträchtigen. Es entwickelten sich zwei Spielarten: eine pflanzlich-organische und eine geometrisierende Formgebung.

Mit der Neuen Sachlichkeit ab 1902 begann das Ende der Stilkunst. Der wirtschaftliche Aufschwung schuf eine neue kaufkräftige Mittelschicht, die durch industriell gefertigte Produkte in hohen Stückzahlen bedient werden konnte. Der individuelle Entwurf wurde zunehmend vom maschinengerechten Serienentwurf verdrängt.

🌿 Wusstest du? Im Jugendstil sollten selbst alltägliche Gegenstände zu kleinen Kunstwerken werden – von der Kaffeetasse bis zum Türgriff wurde alles künstlerisch gestaltet!